Carlos Medina. Gotas: Geometría y naturaleza*

 

Carlos Medina. Exposición «Orígenes»
Carlos Medina/Carlos Mendoza/Ismael Mundaray
Fundación Provincial, Caracas, 2012.

La geometría es un eje recóndito de lo natural. Si bien la naturaleza crece y se despliega de manera incesante y libérrima, también es cierto que desde las partículas microscópicas a las formas del macrocosmos, existen estructuras que subrepticiamente parecen dar un sustento analítico a muchos de los objetos y fenómenos que pueblan el medio ambiente.

La celebración del descubrimiento de las fuentes de un río majestuoso y mítico como el Orinoco, brinda la oportunidad de imaginar el agua y recrear su esencia ínfima, la gota, como metáfora del nacimiento de todo caudal, y como recordatorio del ciclo que propicia la vida.

La obra reciente del escultor Carlos Medina conjuga estas reflexiones: por una parte, es el resultado de un estudio consecuente sobre la geometría de la gota, como forma perfecta y esencial de la naturaleza; por otra, y a pesar de su resolución –limpia, brillante, contenida– se desvincula de las aproximaciones minimalistas al propiciar relaciones de índole poético, metafórico y sensorial.

El volumen geométrico nunca ha sido para Medina solo cuerpo, ya que la aproximación del artista a la forma no ha sido desapasionada. Por el contrario, podríamos afirmar que el escultor ha indagado en lo geométrico como una vía que le ha permitido develar –o imaginar– un «intrínseco orgánico», que en su trayectoria ha tenido momentos de inteligente asociación con lo cultural-simbólico o con la sensualidad de lo vegetal.

Las «gotas» han venido a compilar y a sintetizar muchas de las preocupaciones de Medina en cuanto a la geometría y a su sentido. Estas piezas que, a manera de instalaciones interactúan de una manera más dinámica con el espectador, dan paso a lo lúdico, a la experiencia sensorial, al recurso metafórico. En ellas la lluvia surge como una masa transparente, móvil, envolvente; otras veces, en las ráfagas, el espacio se activa por el impacto de las gotas dispuestas diagonalmente, acentuado por la sensación de velocidad, el recuerdo del salpicado, y el establecimiento de un intenso  juego de luces y sombras.

La gota, esa esfera que se elonga, que cae por definición, que describe una trayectoria y salta, se hace entonces forma perfecta para el arte: es entonces volumen memorioso para la vida, y sacia una sed milenaria, en tiempos en que es necesario restablecer las fuentes que nos conectan con el planeta.

© Katherine Chacón

*Texto publicado en el catálogo de la exposición «Orígenes. Carlos Medina/Carlos Mendoza/Ismael Mundaray», presentada en los espacios de la Fundación BBVA Provincial, Caracas, abril 2012.

Félix Carmelo. Rhythms*

 

Félix Carmelo

El trabajo de Félix Carmelo (Arecibo, Puerto Rico, 1968) devela su intensa mirada de esteta, fraguada en un persistente ejercicio de búsqueda de la belleza intrínseca de las formas. El estudio de los lenguajes derivados de la abstracción geométrica y asociados al minimalismo, le ha otorgado las herramientas expresivas necesarias para llevar adelante una propuesta artística que dé cuenta de este interés fundamental. Sin embargo, la práctica de este artista está lejos de ser meramente analítica, y se encamina, más bien, a recrear el encuentro de estas formas puras y de los ritmos que sus relaciones suscitan, en el aparente caos de la realidad circundante.

Sín título, 2021

Sin título, 2020 (4 piezas)

Para esta exposición, el artista partió de vistas formadas por las superposiciones e interacciones arquitectónicas —fachadas, cornisas, portones, por ejemplo— de algunos edificios de Coral Gables, y de objetos y elementos naturales del paisaje. Estas imágenes, captadas fotográficamente, le ofrecieron un punto de partida para emprender —vía digital o a través de bosquejos a lápiz— una “caza de formas”, ejecutada tras un mirar cuidadoso de cada detalle. Focalizándose en aquellos cuya calidad estética escapa a simple vista, el artista hace surgir nuevas composiciones, cuyas formas y ritmos acentúa, continúa, o combina con los de otras imágenes obtenidas de modo similar. Incluso, estas “composiciones encontradas” le sirven a menudo de origen para buscar nuevos detalles, en un proceso que va insistentemente de lo macro a lo micro. La intuición y la sensibilidad del artista juegan un papel preponderante en este ejercicio post-fotográfico de búsqueda, encuentro, selección, combinación y creación.

Sin título, 2021

Sin título, 2021 (12 piezas)

Lo que da título a esta muestra es justamente ese ritmo visual, que en la obra está hecho de la articulación de formas, líneas, espacios y colores, pero que es también el ritmo interno que se construye al transitar la ciudad, concatenando vistas panorámicas captadas rápidamente, con lentas miradas a resquicios significativos. Al final, es el ritmo que construimos al pasar por la vida —un palpitar o un pulso— e ir cimentando el orden en el caos, la belleza en las desproporciones, o las formas en lo informe.

Katherine Chacón

Félix Carmelo es un artista visual puertorriqueño residenciado en Miami, Florida. Desde niño demostró pasión y valoración por el diseño y el arte, lo que lo llevó a graduarse como técnico en dibujo arquitectónico en el Liceo de Arte y Tecnología de Puerto Rico y, posteriormente, a realizar estudios de diseño interior en la Miami International University of Arts and Design. Su refinado sentido estético ha sido decantado por las experiencias que le dejaron sus viajes, visitas a exposiciones, y amor a los libros. Desde 2016 pertenece al grupo de artistas contemporáneos Generación Reactiva, consolidado con el respaldo de la Galería Petrus de San Juan, Puerto Rico. En 2020 realizó estudios de pintura con el artista y profesor Guillermo García-Cruz en la Abstract Art School S35 de Madrid, España. Ese mismo año, inició sus sesiones de guiatura artística con la curadora venezolana Katherine Chacón. Su trabajo se encuentra representado en varias colecciones privadas de Puerto Rico, Estados Unidos, Italia, Brasil y México.

* Este texto fue realizado en ocasión de la exposición homónima, presentada en Imago Art in Action (Coral Gables, Florida), del 20 de febrero a mayo de 2021.

https://www.elnacional.com/papel-literario/felix-carmelo-rhythms/

Las Tensiones Primarias de Paulo Castro*

Paulo Castro
Foto: Katherine Chacón

El artista venezolano Paulo Castro (Palmira, Colombia, 1974) ha venido desarrollando su lenguaje a partir de un especial uso de la línea y del color como elementos fundamentales para la creación de un espacio plástico de poderosa tensión.

Esta investigación sobre las dinámicas espaciales que se activan en el plano del lienzo —y que por lo tanto son de naturaleza eminentemente pictórica— ha ido de la mano de una indagación sobre  los materiales y de la creación de técnicas que le han permitido ampliar y profundizar la gramática de su propuesta. La persistente experimentación sobre los materiales y sus propiedades de traducir la acción que en ellos ejercen dos fuerzas opuestas, llevó a Castro a utilizar, en etapas tempranas de su trabajo, bandas elásticas y fibras sintéticas para construir las tiras que cruzan la superficie de sus lienzos y que son ya un elemento característico de su obra. En busca de que la tensión plástica se correspondiera con una tensión real, que activara una dinámica también física en sus piezas, el artista introduce en sus trabajos recientes un material elaborado con fibra de vidrio recubierto con plástico que garantiza la persistencia e incluso el reforzamiento de estas tensiones concretas, tan necesarias para la consecución de sus objetivos expresivos.

Este ha sido un logro importante, ya que le ha permitido una total libertad cromática. La fibra de vidrio recubierta de plástico es blanca (al contrario de otras, usadas previamente, que se fabrican con colores estandarizados). A partir del blanco, Castro puede desplegar sin ataduras su inmenso potencial como colorista. Y es que el color es el eje central de su trabajo. Su intención es ofrecer un campo cromático saturado y profundo, susceptible de ser visualmente «excavado», en una especie de «arqueología pictórica». Lo logra superponiendo el lienzo sobre una superficie de madera en la que se ha pintado previamente el esquema cromático que tendrá la tela, creando un fondo que existe pero que no se ve, colmando de esta manera subliminal la percepción que tenemos del color del plano.

El color, así intensificado, se expande en tres dimensiones, ya que su intensidad afecta también el espacio volumétrico. Las superposiciones de líneas de tensión parecen «atajar» estos campos y «amarrarlos» visualmente. Castro deja entrever pequeños resquicios cromáticos entre el tejido que forman las líneas de fuerza, subrayando esta dinámica de la que, al final, emerge un poderoso juego de tensiones, en este caso acentuadas por la fuerza fundamental de los tonos primarios en conjunción con las gamas neutras.

La obra de Paulo Castro, siendo eminentemente abstracta no escapa, como él mismo lo ha señalado, de vínculos con lo psicológico, lo social e incluso lo político. En un mundo que se nos presenta cada vez más convulso e inseguro, acaso estas «tensiones primarias» apunten también a manifestaciones esenciales de un psiquismo global que se debate en innumerables preguntas, acosos, esperanzas, miedos, desplazamientos y esfuerzos.

© Katherine Chacón

* Este texto fue realizado en ocasión de la exposición «Tensiones primarias. Paulo Castro»

 realizada en Imago Art in Action (Coral Gables, Florida, USA), del 6 de abril al 30 de julio de 2017.