Territorios del tránsito

En un mundo marcado por los desplazamientos, las fracturas de los vínculos territoriales y la reformulación constante de la pertenencia, el paisaje ha dejado de ser un fondo contemplativo o una referencia geográfica neutral, para convertirse en un campo de tensiones simbólicas donde se inscriben los rastros del tránsito, la memoria —o el olvido— y la transformación. En este contexto, Territorios del tránsito reúne a trece artistas cuyas obras proponen nuevas formas de mirar y habitar el paisaje, entendiéndolo no solo como representación del entorno, sino como experiencia encarnada y huella sensible de un tiempo incierto.

Susan Applewhite (Caracas, 1976) utiliza elementos cartográficos para hablar de realidades geográficas cruzadas por tensiones y límites impuestos desde el poder. En Venezuela precintada, Libertad condicional y Piel mundi, el mapa es encerrado, precintado, o cosido, para revelar cómo la herida social está ineludiblemente atada al territorio y, como este, sujeta a las derivas del control. A través del ensamblaje de materiales y objetos de uso común —jaulas, globos, mapas—, la artista transforma la cartografía en un terreno cuyo fin, más que representar lugares geográficos, es advertir sobre la complejidad de las fuerzas, fracturas y silencios que los habitan.  

Susan Applewhite. Venezuela precintada, 2025, madera y precintos de seguridad, 40 x 56 x 14 cm.

Susan Applewhite. Libertad condicional, 2022, jaula y globo terráqueo inflable, 54 x 40 Ø cm. 

Susan Applewhite. Piel mundi, 2025, lienzo, mapa e hilo, 40 Ø cm. 

En la obra de Rafael Arteaga (Caracas, 1986) el paisaje está atravesado por la memoria. Partiendo de collages, sus escenas pictóricas superponen fragmentos fotográficos tomados de álbumes familiares y vistas bucólicas del paisaje venezolano. Esa «irrupción de un paisaje en otro», como él mismo lo describe, activa un diálogo entre lo íntimo y lo colectivo, entre la representación de lo vernáculo y la imaginería del recuerdo. Las evidentes marcas del proceso —el tirro, los cortes— destacan las tensiones surgidas entre lo que se preserva y lo que se pierde. La obra da así cabida a una memoria que se reescribe, atenta a sus propias dislocaciones, olvidos y reconfiguraciones.

Rafael Arteaga. Manifestaciones de la imagen sobre el paisaje, 2024,
óleo sobre tela, 20 x 20 cm c/u (díptico).

Rafael Arteaga. Los infames fugitivos, 2025, óleo sobre tela, 50 x 70 cm.

En País políptico, Francisco Bassim (Caracas, 1964) articula una aguda crítica social. Mediante el uso de una figuración precisa y colores planos y saturados que remiten a la bandera nacional, construye escenas donde personas, monumentos y aves carroñeras se convierten en símbolos autóctonos de la decadencia. Identificamos al país a través de estas figuras que retratan una sociedad descompuesta, encarnada por la presencia constante del zamuro. El paisaje urbano de Bassim muestra como lo familiar, lo patriótico y lo religioso conviven con un profundo deterioro ambiental, moral y político. Así, la obra se convierte en un retrato implacable de una nación desfigurada por sus propias ruinas.

Francisco Bassim. País políptico, 2025, acrílico sobre tela, 40 x 30 cm c/u (políptico). 

Francisco Bassim. País políptico, 2025, acrílico sobre tela, 40 x 30 cm (pieza 2 de 4).

Aunque Gloria Blancato (Caracas, 1968) es reconocida como pintora, el collage ocupa un lugar importante dentro de su práctica creativa. Para ella, recortar y encolar fragmentos impresos es una forma de interrogar la imagen y alterar sus códigos representativos. La referencia a la mujer —recurrente en toda su narrativa— aparece en estas composiciones a través de sugerentes trozos de figuras femeninas que se combinan con objetos, textos, plantas y elementos inesperados. El paisaje irrumpe como un escenario ambiguo que desestabiliza la relación entre figura y fondo. No actúa como contexto, sino que intercepta y transforma la escena, abriendo el espacio a nuevas resonancias sensoriales y poéticas.

Gloria Blancato. Reunión familiar en verano/Saltar el bosque/Paisaje con mesa de noche, 2025,
collages de papel sobre papel, 33 x 24 cm/ 33 x 24 cm/ 28 x 21 cm.

Gloria Blancato. Saltar el bosque, 2025,
collage de papel sobre papel, 33 x 24 cm.

Carmela Fenice (Caracas, 1962) concibe el paisaje urbano como un cuerpo en constante mutación. En Ciudad orgánica I-v5, la artista crea un ecosistema visual a partir del collage digital, la fotografía y la pintura, donde los edificios se ondulan como tallos y las ventanas se convierten en poros de una materia viva. La ciudad, entendida aquí como organismo, late al ritmo de quienes la habitan y la transitan. La imagen vertical —que remite a un bosque o a una arquitectura futurista—  desdibuja los límites entre naturaleza y artificio, y propone una mirada sobre el territorio urbano como un multiverso de coexistencias.

Carmela Fenice. Ciudad orgánica I-v5 de la serie Cohesiones, 2025,
fotografía, collage digital, impresión fine arte sobre lienzo
intervenida con pintura acrílica, 120 x 50 cm.

Juan González Bolívar (Cúpira, 1978) traslada al volumen su exploración del paisaje mediante ensamblajes que evocan las viviendas precarias de las zonas populares de Caracas. Construidas con materiales recuperados —cartón, zinc, telas, madera—, estas piezas no solo reproducen fragmentos del paisaje urbano, sino que también funcionan como “casas-contenedores”: albergan objetos en su interior que, aunque no siempre visibles, emulan la latencia del recuerdo. Aluden a la visualidad fragmentaria de esas arquitecturas improvisadas, superpuestas e inestables, así como a la búsqueda de una ‘posibilidad de belleza’ contenida en sus materiales y formas.

Juan González Bolívar. Naturaleza inventada, 2022-2025, ensamblaje de medios mixtos,
20 x 8 x 13 cm.

Juan González Bolívar. Naturaleza inventada, 2022-2025, ensamblaje de medios mixtos,
24 x 12 x 14 cm.

Juan González Bolívar. Naturaleza inventada, 2022-2025, ensamblaje de medios mixtos,
14 x 12 x 19 cm.

La histórica litografía Pueblo mexicano (1930) de José Clemente Orozco es el punto de partida tomado por Adrián Guerrero (Guadalajara, 1975) para realizar una serie de obras en las que convergen lo pictórico, lo arquitectónico y lo filosófico. Influenciado por la mirada del arquitecto Luis Barragán y por la densidad poética de Juan Rulfo, en ¿Dónde está el pueblo?, Guerrero deconstruye la escena original para desplazar su foco: elimina las figuras y se concentra en los volúmenes, las sombras y los planos, transformando la carga denunciativa de la imagen original en una meditación sobre la ausencia, la memoria y el lugar, y convirtiendo el vacío en espacio de resonancia.

Adrián Guerrero. ¿Dónde está el pueblo? (deconstrucción IV, III, I), 2024,
acrílico sobre tela, 50 x 70 cm c/u. 

Raúl Herrera (Barinas, 1980) se interesa por el paisaje urbano y por los puntos de confluencia entre la arquitectura, la historia, la memoria y la vida de sus habitantes. Trabajando en medios mixtos, combina collage, pintura, dibujo y cartografías para explorar la ciudad desde su fragmentación y simultaneidad, proponiendo una mirada supraurbanística en la que se superponen capas de información y visualidad. En sus obras, la geometría actúa como una transcripción abstracta de estas disposiciones arquitectónicas, revelando los sentidos formales del entorno urbano. En ellas, la ciudad se reconfigura formalmente, revelando sus núcleos, ejes, desplazamientos y desigualdades.

Raúl Herrera. 
 Serie Paisaje geométrico GPS, 2025, mixta sobre lienzo,  72 x 72 cm. 
Serie Paisaje geométrico GPS, 2025, mixta sobre lienzo,  72 x 72 cm.

Noel Lezama (Los Teques, 1978) observa la ciudad desde la paradoja precariedad-poesía. En sus obras, lo urbano es un escenario donde las vicisitudes cotidianas conviven con el humor y lo surreal. En Sibile el zamuro amigable recorre Caracas, un ave gigante se convierte en medio de transporte alternativo y sobrevuela Plaza Venezuela con tres pasajeros a bordo. Lezama construye una iconografía vivaz y genuina de la Caracas contemporánea, donde lo cotidiano se reencanta sin negar su crudeza. Sus pequeños autobuses son monumentos a la vida popular, a las luchas compartidas y a la posibilidad de introducir la ensoñación en las más humildes realidades.

Noel Lezama. Sibile, el zamuro amigable recorre Caracas, 2012, óleo sobre tela, 42,5 x  63 cm.

Noel Lezama. Dos hermanas en Camatagua City, 2011,
guache sobre cartulina, 49 x 40 cm.

Noel Lezama. Cyberpunk ruletero, 2024, plástico, metal y gomaespuma, 134 x 19 x 53 cm.

Noel Lezama. Cantaclaro, 2025, madera, plástico, metal, 18 x 13 x 61 cm.

Óscar Machado (Caracas, 1953) ha desarrollado una amplia y densa obra escultórica, que lo sitúa como referente ineludible de las resoluciones contemporáneas de esta disciplina en Venezuela. En su serie Pequeñas devastaciones, trabaja con cemento, cartón y pintura acrílica para construir pequeñas piezas que, a modo de maquetas, aluden a paisajes impactados por la catástrofe. Diminutos poblados se emplazan en la materia envolvente del cemento que encarna una naturaleza implacable. Los contrastes de gris, azul y rojo acentúan las tensiones y activan memorias de desastres geográficos y hecatombes interiores. Machado propone el paisaje como un espacio de transformación constante, donde destrucción y reconstrucción coexisten en un frágil equilibrio.

Óscar Machado. Pequeñas devastaciones, 2015, cemento, cartón, pintura acrílica, 25 x 25 cm.

Óscar Machado. Pequeñas devastaciones, 2015, cemento, cartón, pintura acrílica, 25 x 25 cm. 

Desde una óptica irreverente y fantástica, Majenye (Maracaibo, 1987) crea piezas valiéndose de una figuración legible pero deliberadamente desbordada, que se nutre de elementos populares y de la tradición del cómic, combinando el humor, la sátira y el absurdo. En Carora jurásica, la tradicional ciudad larense es representada por un paisaje arquetípico dominado por la fachada de su iglesia colonial, invadida por dinosaurios y personajes contemporáneos que luchan entre sí, generando una escena caótica y delirante. El artista confronta lo vernáculo histórico y geográfico con una narrativa fantástica, desmantelando la lógica de tiempo y lugar para dar lugar a un paisaje híbrido e imposible, potenciado por una intensa paleta.

Majenye. Carora jurásica, 2024, acrílico sobre tela, 50 x 70 cm.

Francisco Schütte (Caracas, 1983) transita entre la arquitectura y las artes visuales, explorando el paisaje desde una mirada íntima y emocional. Su trabajo se caracteriza por una estética cercana al povera y una paleta contenida, donde materiales y colores se yerguen en una tensa sobriedad para expresar experiencias de desarraigo, memoria y reconstrucción. Las dos obras que presenta en esta exposición remiten a su estadía en Madrid y a las difíciles vivencias que atravesó durante ese período. En ellas, el paisaje emerge en rasgos apenas reconocibles, como una superficie intensamente afectada. Lo mínimo —una textura, una línea, una silueta— basta para activar resonancias interiores y narrativas sensibles.

Francisco Schütte
Sin título, 2024, mixta sobre tela, 100 x 70 cm
Sin título, 2024, mixta sobre tela, 95 x 70 cm.

Eliseo Solís Mora (Upata, 1978) es uno de los artistas de performance más destacados del país. Su práctica, sostenida desde hace más de una década, se articula en torno al cuerpo desnudo como vehículo de reflexión poética, espiritual y política. En la serie Organismo sin órganos (Cuerpo fluido), iniciada en 2021, el artista interviene zonas geológicas de origen ancestral —como el Macizo Guayanés o Los Morros de Guárico— estableciendo un diálogo entre cuerpo, territorio y memoria. Desde su vulnerabilidad, pero desafiando normativas de género y proponiendo una mirada no binaria y fluida de la identidad, el cuerpo se funde con la materia del mundo, retornando al origen para devenir presencia sensible en comunión con lo terrestre.

Eliseo Solís Mora. El Pao. De la Serie Organismos sin órganos (Cuerpo fluido), 2023, fotoperformance.

Eliseo Solís Mora. Upata. De la Serie Organismos sin órganos (Cuerpo fluido), 2021-2025, fotoperformance.

Eliseo Solís Mora. Morros. De la Serie Organismos sin órganos (Cuerpo fluido), 2022, videoperformance 16:9.

En su diversidad de medios, enfoques y poéticas, las obras reunidas en Territorios del tránsito trazan un mapa de resonancias cruzadas donde el paisaje es un agente activo. A través de lenguajes que entrelazan lo íntimo y lo colectivo, lo material y lo simbólico, cada artista nos invita a repensar el territorio como una experiencia compleja y mutable: un lugar donde se inscriben los desplazamientos del cuerpo, los cambios históricos y los riesgos de la imaginación.

Katherine Chacón

Margarita Boulton. Mourning Flowers (English Version)*

Time passes through the dream

Sunk up to its neck.

Yesterday and tomorrow eat

Dark flowers of sorrow. 

Federico García Lorca

Untitled, 2024. Digital photograph

Flowers have long symbolized beauty and transience. Their fleeting splendor has inspired countless artistic and literary expressions, linking them to youth, love, and renewal. In full bloom, they exude an irresistible allure—vivid colors, seductive shapes, and delicate fragrances ensuring life’s continuity.

Untitled, 2024. Digital photograph

Challenging the traditional image of the flower as a celebratory emblem of beauty and the life’s magnificence, Margarita Boulton presents in Mourning Flowers a perspective that lingers on their decline—the moment when freshness fades into fragility and splendor gives way to decay. In these wilted petals, unopened buds, and leaves consumed by time, there is no ornamentation, no idealization—only a meditation on withering as a metaphor for mourning. Aging, frustration, estrangement, and silence take shape in these trembling flowers, captured through intentional blurs, motion sweeps, and distortions that evoke an inner world of sorrow.

Untitled, 2025. Digital photograph

Untitled, 2024. Digital photograph

Boulton does not merely document the physical transformation of flowers; she translates into images the unrepresentable loss of femininity as culturally constructed. Frustrated motherhood, identity eroded by time, the exhaustion of desire—all find expression in these flowers, which no longer embody the ideal of vitality yet refuse to disappear.

From a psychoanalytic lens, Julia Kristeva describes mourning as a process that disrupts language and identity, confronting us with the ineffable—what cannot be fully symbolized. In Mourning Flowers, Boulton not only records decay but elevates it into an act of aesthetic affirmation. For Kristeva, art is a space of sublimation—it turns the unspeakable into image, pain into language. In the materiality of the withered or the aborted, we find a poetics of mourning that seeks not restoration, but inscription. Fragility becomes presence; loss, though irreparable, finds a way to be seen, to be spoken.

Untitled, 2025. Digital photograph

Untitled, 2024. Digital photograph

Margarita Boulton (Caracas, Venezuela, 1986) trained as an Associate in Graphic Design at the Instituto de Diseño de Caracas between 2005 and 2009, and in 2012, she earned a Bachelor of Fine Arts in Graphic Design from the Miami International University of Art and Design. Her photographic practice began at Roberto Mata Taller de Fotografía in Caracas, where she studied between 2016 and 2019. In 2022, she presented her photographic work in the solo exhibition “Ella, la flor”, held at La Casa 22 in El Hatillo, Caracas. She currently lives and works in Miami.

Margarita Boulton

© Katherine Chacón

 * The exhibit «Margarita Boulton. Mourning Flowers» was shown at Centro Cultural Imago, Coral Gables, from April 6 to May 25, 2025.

Margarita Boulton. Mourning Flowers*

El tiempo va sobre el sueño

hundido hasta los cabellos.

Ayer y mañana comen

oscuras flores de duelo. 

Federico García Lorca

Sin título, 2024. Fotografía digital

Las flores han sido, desde tiempos inmemoriales, símbolos de belleza y transitoriedad. Su esplendor efímero ha inspirado incontables manifestaciones artísticas y literarias, asociándose con la juventud, el amor y la renovación. En su estado más vibrante, las flores rezuman el atractivo necesario para la polinización. Sus colores y formas seductoras, y sus agradables fragancias, aseguran así la perpetuación de la vida.

Sin título, 2024. Fotografía digital

Frente a la imagen convencional de la flor como emblema celebratorio de la belleza y la magnificencia de la vida, Margarita Boulton propone en Mourning Flowers, una mirada que las escruta en su decadencia o en su fallo, ese instante en el que la lozanía y el esplendor ceden paso a la fragilidad y el declive. En estos pétalos ajados, capullos que nunca abrieron y hojas consumidas por el tiempo, no hay ornamento ni idealización, sino una exploración de lo marchito como metáfora del duelo. El envejecimiento, la frustración, los desencuentros y la incomunicación se des-dibujan en estas flores temblorosas, logradas a través de desenfoques, barridos y trepidaciones voluntarias, que aluden a una interioridad doliente.

Sin título, 2025. Fotografía digital

Sin título, 2024. Fotografía digital

Boulton no solo documenta la transformación material de la flor, sino que traduce en imágenes la pérdida irrepresentable de la feminidad tal como ha sido construida culturalmente. La maternidad frustrada, la identidad erosionada por el paso del tiempo o el agotamiento del deseo, encuentran su expresión en estas flores que ya no responden al ideal de lo vivo, pero que aún se resisten a desaparecer.

Desde una perspectiva psicoanalítica, Julia Kristeva señala que el duelo es un proceso que desestabiliza el lenguaje y la identidad, enfrentándonos a lo inefable, a aquello que no puede ser completamente simbolizado. En Mourning Flowers, Boulton no solo da testimonio de la decadencia, sino que la convierte en un acto de afirmación estética. Para Kristeva, el arte es un espacio de sublimación: transforma lo indecible en imagen, lo doloroso en lenguaje. En la materialidad de lo marchito, o de lo abortado, encontramos una poética del duelo que no busca la reparación, pero sí una forma de inscripción. La fragilidad se vuelve presencia y la pérdida, aunque irreparable, encuentra un modo de ser vista, de ser dicha.

Sin título, 2025. Fotografía digital

Sin título, 2024. Fotografía digital

Margarita Boulton (Caracas, Venezuela, 1986) se formó como Técnico Superior en Diseño Gráfico en el Instituto de Diseño de Caracas entre 2005 y 2009, y en 2012, obtuvo un Bachelor of Fine Arts en Graphic Design en la Miami International University of Art and Design. Su práctica fotográfica comenzó en Roberto Mata Taller de Fotografía, en Caracas, donde estudió entre 2016 y 2019. En 2022 presentó su trabajo fotográfico en la exposición individual «Ella, la flor», realizada en La Casa 22 de El Hatillo, Caracas. Actualmente vive y trabaja en Miami.

Margarita Boulton

© Katherine Chacón

 * La exposición «Margarita Boulton. Mourning Flowers» fue presentada en el Centro Cultural Imago de Coral Gables del 6 de abril al 25 de mayo de 2025.